Orte kehren in Maria Chiara Argiròs Musik immer wieder. Hidden Seas wandte sich dem Meer zu; Forest City baute einen Dialog zwischen organischem und industriellem Klang; auf Closer, ihrem jüngsten Album, rückte ihre eigene Stimme vom Rand des Arrangements näher in dessen Mitte.
Seit über einem Jahrzehnt lebt sie in London, wohin sie aus Rom zog, um Musikerin zu werden. Sie beschreibt die Stadt selbst als eine der Kräfte, die sie immer weiter nach einem Klang statt nach einem Genre suchen ließen: Jazz, Klassik und Elektronik begegnen einander, Einflüsse kommen von überall, und die italienischen Wurzeln bleiben in ihrer Musik gegenwärtig. Ihre eigene Formel ist einfacher als jede Kategorie — mit jeder Platte versucht sie, einen Klang zu finden.
Auf Closer wurde diese Suche ungeschützter. Argirò sagt, dass es keinen Ort zum Verstecken gibt, wenn man etwas Persönliches ohne Ironie in die Welt stellt und die Menschen keinen Zugang dazu finden. Diese Verletzlichkeit nimmt sie lieber in Kauf, als etwas Sichereres zu machen, das sie selbst nicht anspricht.
Alles kann zum Spielzeug werden
Jahrelang hat das Klavier alles Sprechen für Sie übernommen; auf Closer rückt Ihre eigene Stimme nach vorn. Sie haben gesagt, es habe eine Weile gedauert, diese Stimme anzunehmen, und das Singen sei „wie eine Zusammenarbeit mit mir selbst“ geworden. Was hat Sie dazu gebracht, Ihrer Stimme einen eigenen Ort zu geben — und was kann sie sagen, was das Klavier, bei allem, was es sagt, nicht kann?
Das Klavier wird immer mein erstes „Zuhause“ sein, der Ort, an dem ich mich immer geerdet fühle. Als Kind habe ich allerdings auch in Chören gesungen, aber ich hätte nie gedacht, dass ich einmal auf einer Bühne meine eigene Musik singen würde … es hat sich ganz natürlich ergeben. Wie viele Musikerinnen und Musiker bin ich sehr selbstkritisch, besonders was meine Stimme angeht, aber ich habe gelernt, loszulassen und einfach so ehrlich und aufrichtig wie möglich zu sein. Das kann über das Klavier geschehen, über Gesang, Synthesizer, Gitarre; ich stelle mir gern vor, dass alles zum Spielzeug werden kann, zum Ausdrucksmittel und zum engsten Mitspieler, den man hat.
Ich stelle mir gern vor, dass alles zum Spielzeug werden kann, zum Ausdrucksmittel und zum engsten Mitspieler, den man hat.
Eine Welt, in der ich gern lebe
Ihre Platten sind Orte, bevor sie Stücke sind — das Meer von Hidden Seas, der Dialog zwischen dem Organischen und dem Industriellen auf Forest City. Sie haben davon gesprochen, eine Welt zu erdenken und zu bauen, in der Sie sich gern aufhalten würden. Wenn Sie eine Platte beginnen: Bauen Sie zuerst den Ort und lassen die Musik ihn einrichten, oder öffnet ein einzelner Klang eine Tür, hinter der der Ort dann erscheint? Und wenn ein Stück Musik zu einem wirklichen Ort wird — was hält es fest, das einer Feldaufnahme des tatsächlichen Ortes entginge?
Ich plane tatsächlich nie etwas, bevor ich Musik schreibe. Manchmal entsteht das Schreiben aus einem „Dialog“ mit den Instrumenten, aus den Versuchen, Klänge zu finden, die mich in einer bestimmten Zeit inspirieren, und das Schöne am Musikmachen ist, dass diese Klänge am Ende eine Welt erschaffen. Andere Male inspirieren mich Ereignisse im Leben, Filme, Bücher, Ausstellungen, die ich besuche, Menschen, die ich treffe oder mit denen ich spiele … all das, was um mich herum geschieht, und die Musik wird zu einer Antwort darauf. So oder so ist es immer noch das Bauen einer Welt, in der ich gern lebe, einer Welt, die surreal, schön, seltsam, inspirierend oder überraschend sein kann und die eine Fotografie einer bestimmten Zeit widerspiegelt.
Kein Versteck
Sie haben gesagt, „es gibt so viel Lärm auf dieser Welt“, und die Antwort darauf sei für Sie, „direkt, sanft, leicht, offen und verbunden zu sein“. Direkt und offen zu sein ist eine Form von Ungeschütztheit — es heißt, andere genau sehen zu lassen, wo man steht. In einer Szene und einer Zeit, die so oft Ironie oder Panzerung belohnen: Was kostet es Sie, Musik zu machen, die so offen dasteht, ohne etwas Ironisches, hinter dem Sie sich verbergen könnten?
Ich glaube, die Musik, die ich mache und spiele, kommt aus Jahren der Hingabe und der Liebe zur Musik, und aus irgendeinem Grund ist das die Musik, die mich im Moment anspricht. So direkt zu sein kostet tatsächlich etwas; es gibt kein Versteck, wenn Menschen keinen Zugang dazu finden, und es kann sich wie eine Entblößung anfühlen, etwas so Persönliches herauszugeben, ohne jede Ironie, die es abmildern würde. Aber ich möchte, dass die Musik zeigt, wer ich bin, und ich riskiere lieber diese Verletzlichkeit, als etwas zu machen, das mich nicht anspricht, nur um mich sicherer zu fühlen. Ich denke allerdings, und das wiederhole ich mir oft … dass ich so viel Glück habe, diese Verbindung zur Musik gefunden zu haben; es macht so viel Freude, etwas zu erschaffen, und es ist ein solches Vergnügen, zu spielen und mit anderen Menschen in Verbindung zu treten.
Ich riskiere lieber diese Verletzlichkeit, als etwas zu machen, das mich nicht anspricht, nur um mich sicherer zu fühlen.
Ein Klang, kein Genre
Sie haben gesagt, „es ist nicht mein Ziel, genrelos zu sein, aber ich glaube, meine Musik ist es geworden“, und „Musik braucht Freiheit, um vollkommen ehrlich zu sein“. Über das Genre finden die meisten Hörerinnen und Hörer zu einer Platte. Wenn Sie es beiseitelassen — was geben Sie ihnen stattdessen in die Hand? Und wie nehmen Sie es auf, wenn jemand zugibt, nicht zu wissen, wie er Ihre Musik nennen soll?
Ich möchte, dass sie etwas fühlen, vielleicht über bestimmte Dinge nachsinnen. Sie können meine Musik nennen, wie Sie wollen, wirklich; sie ist schwer zu beschreiben, sie ist ganz sicher davon geprägt, dass ich unzählige verschiedene Arten von Musik höre und mich von ihnen inspirieren lasse, aber mein Ziel ist bei jeder Platte, die ich mache, immer, einen Klang zu finden und nicht ein Genre. Namen und Genres ergeben sich meist daraus, wie eine Platte vermarktet wird, und daraus, dass man irgendeine Möglichkeit braucht, Dinge für Menschen zu definieren. Aber letztlich kommt es mir darauf an, ob der Song einen bewegt, inspiriert, nachdenklich macht oder einen zum Weinen oder zum Lächeln bringt.
In die Welten anderer eintreten
Sie bewegen sich ständig zwischen Ihren eigenen Platten und den Welten anderer — Sie sind zu Gast bei These New Puritans, spielen bei Kinkajous, bauen Beats bei Moonfish. Wie ist es für eine Komponistin, die es gewohnt ist, jede Stimme selbst zu schreiben, diese Kontrolle abzugeben und eine Weile der Welt eines anderen zu dienen? Und speist die Zeit in Musik, die nicht Ihre eigene ist, leise die Welten, die Sie auf Ihren eigenen Platten bauen?
Ich liebe es. Ich liebe die Zusammenarbeit, ich liebe es, in die Welten anderer einzutreten. Ich bin überzeugt, dass jeder Mensch, mit dem ich gespielt, aufgenommen oder gemeinsam geschrieben habe, meine musikalische Welt beeinflusst hat. Es lehrt mich, der Musik zu dienen — und dass die Musik immer zuerst kommt.
Es lehrt mich, der Musik zu dienen — und dass die Musik immer zuerst kommt.
Vielleicht ist es eine Londoner Sache
Sie sind von Rom nach London gegangen, um Musikerin zu werden, und Sie haben gesagt, es wäre „für mich fast unmöglich, keine andere Art von Album zu schreiben, nachdem ich so viel Musik ausgesetzt war“. Dass Ihre Musik sich weigert, sich in ein einziges Genre einordnen zu lassen, scheint mit genau diesem Raum verbunden zu sein — der Londoner Szene, in der Musikerinnen und Musiker aus Jazz, Klassik und Elektronik einander ständig in Hörweite sind. Hätte die Musik, die Sie machen, auch von irgendwo sonst kommen können? Oder ist es am Ende eine sehr Londoner Sache, so schwer einzuordnen zu sein?
Vielleicht ist es eine Londoner Sache. In dieser Stadt gab es immer so viele musikalische Einflüsse, so viele Menschen, die aus aller Welt kommen, hier ist musikalisch so viel geschehen — und natürlich nicht nur in London, sondern im Vereinigten Königreich insgesamt. Ich werde auch meine italienischen Wurzeln immer in meiner Musik mit mir tragen, vielleicht in bestimmten Melodien … aber ich würde sagen, London hat mich dazu inspiriert, weiter nach einem Klang und einer eigenen Vision zu suchen, auch wenn das eine endlose Suche und ein endloses Eintauchen ist.
Hören
Und ein zweites, ebenfalls ihre eigene Wahl: Live at Trabendo, Paris.
Wohin sie Leserinnen und Leser schicken möchte: mariachiaramusic.com und mariachiaramusic.bandcamp.com.
Fotografien: Dimitris Lambridis.
Weiterlesen
- Die Rauheit der Stimme: Barthes im Zeitalter von Auto-Tune — darüber, was eine Stimme trägt, das nicht die Worte sind.
- Jazz als offene Methode — Improvisation, Individualität, der Raum — Genre als Arbeitsweise, nicht als Regalfach.
- Murmurwood: wenn ethnisches Gedächtnis auf Electronic-Pop trifft — eine weitere Platte, die sich weigert, still zu sitzen.
