Ein Mann, eine Akustikgitarre und der unverkennbare Klang einer ganzen Band, die gleichzeitig spielt: Das ist das Kunststück, an dessen Vollendung Tommy Emmanuel ein Leben lang gearbeitet hat, und es ist keine Täuschung. Ein Junge im ländlichen Australien hörte Chet Atkins im Radio und konnte nicht glauben, dass ein einziger Gitarrist all das allein spielte; Jahrzehnte später war aus dem Idol ein Freund geworden, und Atkins hatte ihm einen Titel gegeben, den er bis heute hinter seinem Namen führt — CGP, Certified Guitar Player, eine Auszeichnung, die Atkins zu Lebzeiten nur einer Handvoll Gitarristen verliehen hat. Am 27. Juli 2026 brachte Emmanuel dieses ganze Gitarristenleben in den Hof der Adam-Mickiewicz-Bibliothek in Vilnius: unter freiem Himmel und nah genug, um seiner rechten Hand zusehen zu können.

Es gibt keine Looper und keine ganzen Reihen von Effektpedalen — ein Pedal auf der Bühne, ein Stimmgerät. Und, wie er selbst sagt: „Die Band, mit der ich spiele, sitzt zwischen meinen Ohren.“ Melodie, Rhythmus, Bass und Perkussion kommen alle aus einem einzigen Instrument und zehn Fingern — der rechte Daumen treibt unter allem eine Basslinie voran, während die Finger darüber singen. Hinter dieser Spielfreude steht ein Leben, das sich liest wie eine Folkballade: eine Kindheit in zwei Kombis, kreuz und quer durch Australien, mit Auftritten vor zahlendem Publikum schon mit etwa sechs Jahren; der Tod des Vaters, als er elf war; Jahre, die er selbst schlicht als die eines „hoffnungslosen Alkoholikers und Drogenabhängigen“ bezeichnet hat und die längst hinter ihm liegen; und mit einundsiebzig das erste Soloalbum seit zehn Jahren, Living in the Light, auf dem er endlich hinter der Gitarre hervortritt und singt.

Vor dem Konzert in Vilnius haben wir Tommy Emmanuel eine Reihe von Fragen geschickt. Er hat sie so beantwortet, wie er die meisten Dinge tut — er hat ein Aufnahmegerät zur Hand genommen und einfach losgeredet; sein Team hat die Aufnahme transkribiert, und was folgt, ist dieses Gespräch, behutsam redigiert und in seinem eigenen, unhastigen Ton.

„Die Band zwischen meinen Ohren“

Als Junge haben Sie Chet Atkins zum ersten Mal im Radio gehört — für Sie klang es, als spiele er alles auf einmal —, und über die Jahre wurde aus dem Idol ein wirklicher Freund, der Ihnen sogar den Titel „Certified Guitar Player“ verlieh, den Sie bis heute hinter Ihren Namen setzen. Was von alldem — der Inspiration, der Freundschaft, diesen drei Buchstaben — tragen Sie am bewusstesten mit sich, jedes Mal, wenn Sie sich zum Spielen hinsetzen?

Wenn ich einen Abend spiele, versuche ich, die Menschen zu ehren, die vor mir da waren. Ich versuche, so eigenständig zu sein, wie ich nur kann. Ich versuche, so viel von meinem eigenen Material in meine eigene Show zu bringen wie möglich. Aber ich spreche über die Leute, die uns den Weg überhaupt erst gebahnt haben. Ich versuche, allen Künstlern, die vor mir kamen, mit Anstand zu begegnen.

Sie haben gesagt, das einzige Pedal auf Ihrer Bühne sei ein Stimmgerät, und: „Die Band, mit der ich spiele, sitzt zwischen meinen Ohren.“ Sie sind Melodie, Rhythmus und Bass in einem, und der rechte Daumen treibt unter allem den Bass voran. Wenn Sie tief in einem Stück stecken — fühlt es sich an, als leiteten Sie eine kleine Band, oder ist längst alles zu einer einzigen Bewegung verschmolzen, die Ihre Hände auch ohne Sie ausführen, so selbstverständlich wie Atmen?

Bei meinen Soloabenden halte ich es auf der Bühne sehr einfach, weil ich mich nicht auf elektronische Hilfe verlassen will, auf Looper und solche Sachen. Ich kann damit umgehen, aber ich entscheide mich dagegen. Es gibt heute da draußen eine Menge Leute, die viel zu viel Ausrüstung benutzen und sich darauf verlassen. Wenn man unterwegs ist, geht die Ausrüstung ziemlich oft kaputt, und der ganze Spaß, den man hatte, solange alles bestens lief, ist plötzlich weg — dann muss man sehen, wie man die Show trotzdem so gut und so interessant wie möglich hinbekommt. Ich sorge deshalb unbedingt dafür, dass mein Repertoire absolut sitzt, wenn ich hinausgehe und spiele, dass ich es so gut spielen kann, wie ich nur kann, und dass alle einen schönen Abend haben.

„Einem Publikum kann man nichts vormachen“

Sie improvisieren große Strecken jedes Konzerts und haben es immer abgelehnt, auf Nummer sicher zu gehen — Sie haben oft gesagt, einem Publikum könne man nichts vormachen, deshalb machen Sie auch sich selbst nichts vor. Inzwischen könnten Sie mühelos ein festes Programm zurechtlegen und sich darauf ausruhen. Warum ist es Ihnen noch immer so wichtig, sich dieses Risiko zu bewahren — was ginge verloren, wenn Sie auf Nummer sicher gingen?

Ich improvisiere für mein Leben gern, aber ich glaube auch, dass die Leute sehen wollen, wie man sich fordert. Sie wollen wirklich sehen, wie man sich weit aus dem Fenster lehnt. Ich will auf der Bühne nicht zu sehr auf Nummer sicher gehen. Ich habe gern Spaß mit dem Publikum, aber ich bin auf der Bühne auch ganz und gar im Augenblick. Also gebe ich mir große Mühe, weit zu gehen und mich zu fordern, um zu sehen, was an diesem Abend in mir steckt — und dabei bin ich ständig am Limit, und genau das mag ich.

Vergessen wir die Gitarre einen Moment lang — wenn ein Stück Musik einen Menschen wirklich erreicht: Was, glauben Sie, geschieht dann tatsächlich mit ihm? Und wenn ein ganzer Saal still wird — was geht dann, Ihrem Gefühl nach, in diesem Raum vor?

Ich versuche, meinem Instinkt zu folgen und zu spüren, wann das Publikum sich einfach zurücklehnen und aufnehmen soll, was ich da tue. Ich versuche, das Publikum zur Ruhe kommen zu lassen. Ich versuche, den Leuten das Gefühl zu geben, dass sie wirklich in der Musik drin sind. Diese Musik ist so etwas wie ihr Balsam, ihre Medizin, und ich versuche wirklich, sie ihnen an der richtigen Stelle des Abends zu geben, dann, wenn ich glaube, dass sie bereit sind. Es geht nicht nur darum, Gitarre zu spielen und Leute zu beeindrucken; es geht darum, sein Publikum an einen Ort zu bringen, an dem es lange nicht mehr war. Das ist für beide gut, für den Künstler und für das Publikum.

„Überraschung ist Unterhaltung“

Zwei der Stücke, die Sie uns geschickt haben, könnten kaum weiter auseinanderliegen: „Gdansk“, das Sie in jener polnischen Hafenstadt geschrieben haben, die Schiffe und das Wasser vor Augen, ruhig und fließend — und „Tall Fiddler“, ein regelrechter Sprint. Wie wechseln Sie zwischen dieser Stille und dieser Wildheit, auf der Bühne manchmal nur Minuten voneinander entfernt? Kostet Sie das etwas, oder ist der Kontrast gerade das Vergnügen daran?

Für mich macht es keinen Unterschied, ob ich schnell spiele oder wild oder sanft. Ich kann die Zügel schießen lassen, und ich kann jederzeit einen ganz anderen Ton anschlagen. Aber das sind zwei Stücke, die irgendwie einfach zusammenpassen, weil sie dieselbe Gitarrenstimmung haben. „Tall Fiddler“ habe ich vor langer Zeit geschrieben und „Gdansk“ vor ungefähr drei Jahren oder so. Sie scheinen zusammenzugehören, und ich glaube, ich habe es deshalb so gemacht, weil es ein bisschen unerwartet ist. Das kann für das Publikum ein schöner Auftrieb sein. Es ist eine Art, das Publikum immer wieder zu überraschen, und Überraschung ist Unterhaltung.

„Tall Fiddler“ ist Ihre Hommage an Byron Berline, von dem Sie gesagt haben, Sie seien einfach gern in seiner Nähe gewesen. Aber Sie haben einen Fiddler auf der Gitarre geehrt — sechs Saiten mussten einem Instrument antworten, das gleitet und singt, wo Ihres Bünde hat. Wie viel von dem Stück handelt von Byron, dem Menschen, und wie viel davon sind Sie auf der Jagd nach dem Klang seiner Fiddle?

Als ich Byron Berline traf, war ich auf einem Bluegrass-Festival in Kansas. Mich hat umgehauen, was für ein wunderbarer Mensch er war und wie alle ihn verehrt haben. Dann habe ich ihn spielen sehen und dachte nur: Meine Güte, dieser Mann ist eine wunderschöne Naturgewalt. Wir haben uns dann über die Jahre kennengelernt, und er hat mich sehr ermutigt. Denn am Anfang, hier in Amerika, kam ich auf keine Bluegrass-Festivals, weil die Leute mich nicht für einen Bluegrass-Künstler hielten. Und dabei ist das doch nur ein Etikett, eine Stilrichtung. Ich fühle mich beim Bluegrass genauso zu Hause wie beim Rock ’n’ Roll oder beim Jazz oder Funk oder Blues, das ist mir völlig gleich. Es ist einfach Musik, und ich versuche, mich von Etiketten nicht einsperren zu lassen. Ich hatte vorher nie etwas geschrieben, das in einer Art Fiddle-Stil gehalten war. Und wenn man an typische Fiddle-Stücke im Bluegrass denkt: Da gibt es ein wiederkehrendes Thema. Es kommt wieder und es kommt wieder, dann gibt es eine Bridge und ein paar raffinierte Stellen, und manchmal gibt es einen Tonartwechsel, aber nicht so oft. Es ist eben noch eine Möglichkeit, dem Publikum etwas zu geben, das sich langsam in einen Rausch hineinsteigert — und wenn man den letzten Akkord schlägt und peng, das Licht geht aus, dann schreit das Publikum. Das gehört alles dazu, wenn man Entertainer ist, und mehr kann ich Ihnen dazu eigentlich nicht sagen!

„Die Musik kommt zu uns, wenn wir sie brauchen“

Es gibt den alten Satz, Musik könne die Welt verändern — nicht mit Gewalt, sondern weil sie verändern kann, wie ein Mensch denkt und fühlt, und weil sie dorthin reicht, wohin Worte nie gelangen. Glauben Sie das, nach einem Leben voller Konzerte? Haben Sie je erlebt, dass ein Stück einen Menschen vor Ihnen wirklich verändert hat — oder Sie selbst?

Unbedingt. Es gibt Lieder, die müssen wir nur hören, und sofort spüren wir etwas. Weil diese Musik an etwas tief in uns rührt, an etwas, woran wir nicht immer denken, weil es mit Gefühlen zu tun hat. Weil wir glücklich sein wollen und dieses Lied vielleicht von einem Teil unseres Lebens handelt, der uns wehtut. Aber ich glaube, dass die Musik so etwas wie ein magisches Geschenk an uns ist, und sie kommt zu uns, wenn wir sie brauchen. Manchmal spiele ich in einem Konzert absichtlich etwas ganz Einfaches — und genau das ist die Stelle des Abends, an der das Publikum sich sagt: Das ist es eigentlich, weswegen ich gekommen bin. Nicht das ganze Feuerwerk. Ich will die Seele hören. Ich will jetzt, in diesem Moment, die Wärme des Lebens spüren, und über die Musik bekommt man das. Als ich anfing, „Somewhere Over The Rainbow“ zu spielen, hatte ich bei jedem Mal das Gefühl, ein Stückchen besser zu werden und mit meinen Ideen in dem Stück weiterzukommen. Aber mir wurde klar, wie schön dieses Lied ist und wie sehr die Leute es brauchten — und das ist doch etwas Gutes.

Auf Living in the Light — Ihrem ersten Soloalbum seit zehn Jahren — treten Sie hinter der Gitarre hervor und singen auf mehreren Stücken tatsächlich selbst, darunter „Black and White to Color“, ein Lied, das Sie einmal so beschrieben haben: Das Leben biegt um eine Ecke und wechselt die Farbe, „ungefähr so wie Dorothy in The Wizard of Oz“. Nachdem Sie über die Jahre so viel durch die Gitarre gesagt haben: Was hat ausgerechnet diese Platte zu der gemacht, auf der Sie endlich echte Worte und Ihre eigene Stimme wollten?

Als ich ins Studio ging, um Living in the Light zu machen, hatte ich nur sehr wenig Zeit dafür. Ich habe das Ganze in nur vier Tagen aufgenommen und gemischt. Ein paar Lieder habe ich wirklich gern gemacht, eines davon war „Maxine“ und das andere „Ready For The Times To Get Better“ — die erzählen einfach Geschichten. Und so sehe ich mich auch: Ich bin nicht wirklich ein Sänger, ich bin ein Geschichtenerzähler. Ich wollte einfach etwas anderes machen. Davor habe ich keine Angst. Ich habe nie behauptet, ich sei ein guter Sänger, bin ich auch nicht. Aber ich kann ein Lied singen und Ihnen eine Geschichte erzählen. Ich hoffe, wenn die Geschichte und das Lied gut genug sind, haben Sie wirklich Freude daran. So sehe ich das.

Sie haben gesagt, Musik lasse sich nicht erzwingen — sie müsse zu einem kommen und durch einen hindurchfließen. Wenn Ihnen heute tatsächlich eine Melodie zufliegt: Wo sind Sie dann — an der Gitarre, unter der Dusche, halb im Schlaf? Gehen Sie auf die Suche, oder halten Sie sich einfach bereit, bis sie von selbst auftaucht?

Weil mein Leben heute so voll ist, kommen die Lieder manchmal zu mir, wenn ich im Saal ankomme, die ganze Ausrüstung hineinschaffe, dann in die Garderobe gehe, die Gitarre auspacke und anfange zu spielen. Manchmal kommt mir dann eine Idee. Manchmal habe ich auch Ideen, die jahrelang bei mir bleiben, und ich kann zu ihnen zurückkehren und sehen, ob ich sie fertig bekomme. Es gibt nie nur einen Weg, ein Lied zu schreiben. Ein Komponist wartet immer darauf, dass etwas geschieht, worüber er schreiben kann. Die Dinge, die einem passieren, die Menschen, denen man begegnet, die Erfahrungen, die man macht — sie erzeugen Gefühle und Bilder im Kopf und in einem selbst. Man hofft immer, dass etwas passiert, so viel steht fest.

Tommy Emmanuel auf der Bühne, über seine Maton-Gitarre gebeugt, die rechte Hand auf dem Korpus, in dramatischem Licht
Tommy Emmanuel live · Foto: Simone Cecchetti (Pressefoto, mit freundlicher Genehmigung des Künstlers)

„Sie klingt wie meine Stimme“

Ihr ganzes Berufsleben lang spielen Sie Gitarren von Maton, aus australischer Fertigung, obwohl Sie sich jedes Instrument der Welt aussuchen könnten. Jenseits der Treue zur Heimat: Gibt es im tatsächlichen Klang dieser Gitarre etwas — ihre Helligkeit, ihre Hölzer —, das Sie australisch nennen würden und das Sie nirgendwo sonst bekämen?

Ich spiele Maton-Gitarren, ich gehe mit ihnen auf Tournee und nehme mit ihnen auf — sie machen mir so viel Freude. Und das mache ich seit 1961; damals habe ich meine erste Maton bekommen. Ja, ich bin ein treuer Australier und spiele gern Instrumente aus australischer Fertigung, aber ich habe viele andere Gitarren, die ich liebe. Ich habe nur festgestellt, dass es da draußen keine andere Gitarre gibt, deren Tonabnehmer- und Mikrofonsystem sich auch nur ansatzweise mit dem einer Maton vergleichen ließe. Mit dem Klang der Gitarre, dem Klang von Tonabnehmer und Mikrofon kann ich so viel machen. Ich kann damit alle möglichen Klänge erzeugen. Und sie klingen einfach wie meine Stimme, wenn ich sie spiele. Wenn ich eine Maton spiele, fühle ich mich zu Hause. Und was die Wahl der Gitarre angeht, glaube ich: Das liegt bei Ihnen. Sie müssen die Gitarre finden, die Sie nicht mehr aus der Hand legen können, die Sie ständig spielen wollen. Das ist die beste Gitarre für Sie. Und es spielt keine Rolle, woher sie kommt oder was sie kostet — das alles zählt nicht. Wenn Sie eine Gitarre finden, auf der Sie alles machen können, was Sie wollen, dann ist das Ihre Gitarre.

Sie haben sehr offen über die Jahre gesprochen, in denen Sie, wie Sie selbst sagen, „ein hoffnungsloser Alkoholiker und Drogenabhängiger“ waren, und darüber, wie Sie davon loskamen. So vieles von dem, was Sie auf der Bühne tun, ist improvisiert; verstecken kann man sich dabei nicht. Hat es Ihr Spiel verändert, clean und nüchtern zu werden — waren Sie damals mutiger oder waghalsiger, und welchem von beidem trauen Sie heute mehr?

Ich kann Ihnen nur sagen, dass ich seit langer Zeit clean und nüchtern bin. Es geht mir ausgezeichnet, und ich liebe mein Leben. Ich glaube übrigens, dass ich selbst mitten in meiner Sucht auf der Bühne noch immer 110 Prozent gegeben habe — ich habe immer versucht, mein Bestes zu spielen, und immer versucht, für die Leute da zu sein, trotz allem, womit ich zu kämpfen hatte. Aber ich kämpfe nicht mehr, und ich bin so glücklich. Ich habe einfach losgelassen und aufgehört, mir vorzumachen, dass ich das Steuer in der Hand habe. Habe ich nicht. Ich bin einfach da und tue mein Bestes und versuche, auf meinen Körper und meinen Geist zu achten, damit ich morgen alles noch einmal machen kann.

„Wir wussten, was wir wollten“

Ihr Vater verkaufte das Haus, packte die Familie in zwei Kombis und nahm Sie alle mit auf ein Wanderleben quer durch Australien — mit etwa sechs Jahren spielten Sie Rhythmusgitarre vor zahlendem Publikum. Die meisten Kinder in diesem Alter lernen gerade lesen. Was hat Ihnen diese Kindheit unterwegs im Rückblick gegeben, das eine sesshafte nicht hätte geben können — und was hat sie gekostet?

Ich wusste gar nicht, dass das Leben hart war, weil wir sowieso nie etwas hatten. Wir haben entdeckt, dass wir musikalisch sind, und wir wollten spielen, und wir wollten als Familie spielen. Die zwei Kleinen haben nicht musiziert, wir vier schon. Das waren ich, der Jüngste, dann mein Bruder Phil, meine Schwester Virginia und mein Bruder Chris. Und deshalb wussten wir überhaupt nicht, dass wir es schwer hatten. Das ist uns gar nicht aufgefallen. Wir sind durch Australien gereist, haben das Land gesehen und ab und zu Konzerte gespielt. Aber wir haben nie viel Geld verdient, wir waren immer pleite, und ständig haben uns Leute geholfen. Aus der Sicht eines Erwachsenen wäre das ein hartes Leben gewesen, besonders für Mama und Papa. Wissen Sie, alles im Leben hat seinen Preis. Ich kann heute nicht hier sitzen und sagen: Ich wünschte, wir hätten es anders machen können, oder ich wünschte, wir wären reich gewesen. Tut mir leid, aber so funktioniert das nicht. Wir hatten das Leben, das wir hatten, und wir wussten, was wir wollten. Ich fühle mich ziemlich gesegnet, so viel steht fest.

Ihr Vater starb 1966, als Sie elf waren — der Mann, der dieses ganze Leben unterwegs um die Band herum gebaut hatte. Wie hat sein Verlust verändert, was die Gitarre für Sie bedeutete? Wurde sie zum Trost, zur Pflicht, zu einer Art, ihm nahe zu bleiben?

Ich habe meinen Vater so sehr geliebt und mich so bemüht, ihm nahezukommen. Aber er hatte ein Herzleiden, und wir wussten irgendwie, dass er nicht mehr lange da sein würde. Eines Nachts hatte er einen schweren Herzinfarkt, und er war fort. Ein paar Tage später sagte meine Mutter: „Was wollt ihr tun? Wir können hierbleiben, ihr könnt hier zur Schule gehen, und wir können ein normales Leben führen. Oder wir suchen uns eine Wanderbühne und gehen wieder auf Tour.“ Und wir waren uns alle einig, dass wir wieder auf Tour wollten, und genau das haben wir getan. Aber es war anders ohne Papa, weil Papa so viel gemacht hatte. Doch mein ältester Bruder Chris wurde für uns Jüngere zur Vaterfigur, und wir haben alle zusammengehalten und sind weitergereist, bis wir wirklich aufhören und auf normale Schulen gehen mussten. Der Staat sah, was wir da machten. Man sagte meiner Mutter: „Diese Kinder müssen ein normales Leben haben, zur Schule gehen und ein Zuhause haben“ — und so hat man uns gezwungen, das Reisen aufzugeben. Mit 15 bin ich von der Schule weggelaufen, weil ich wusste, was ich wollte. Und hier bin ich nun, rede mit Ihnen, das Telefon in der Hand, blicke 60 Jahre später auf schon wieder so einen Bildschirm — und liebe mein Leben.

Denken Sie manchmal daran, dass ein Stück, das Sie drei Minuten lang spielen, sich jahrelang in einem Menschen festsetzen kann — auf einem Spaziergang vor sich hin gesummt, verknüpft mit einem Abend, den er nie ganz vergisst? Verändert das Wissen, dass Musik so tief reichen und dort bleiben kann, die Art, wie Sie ein einzelnes Lied spielen?

Ich finde es eine wunderschöne Sache, dass unser Gehirn die Lieder aufnimmt, die wir wirklich lieben, und dass wir das Lied dann gewissermaßen aus unserem Gehirn abspielen können — eine wunderschöne Sache. Die Musik ist unsere Begleiterin, sie ist unsere Freundin, sie ist unser Ort des Trostes und auch unser Ort für Spaß und Freude. Es haut mich um, dass ich in einem Land wie China ankommen kann und dort Leute am Flughafen stehen und meine Lieder spielen. Ich konnte es nicht glauben. Das ist wirklich etwas Magisches. Musik bringt Menschen zusammen.

Die Musik ist unsere Begleiterin, sie ist unsere Freundin, sie ist unser Ort des Trostes und auch unser Ort für Spaß und Freude.

„Einundsiebzig ist nur eine Zahl“

In diesem Frühjahr sind Sie einundsiebzig geworden und noch immer mit Living in the Light unterwegs, und Sie haben oft gesagt, es gehe im Grunde nur darum, Spaß zu haben — wenn Sie Spaß hätten, habe ihn auch das Publikum. Aber was Sie tun, ist körperlich hart: die Perkussion auf dem Korpus, die Flageoletts, dieser unermüdliche Daumen. Wie halten Sie das freudvoll und nicht bloß diszipliniert, jetzt, da der Körper mehr von Ihnen verlangt als früher?

Mein Körper verlangt mehr von mir. Ich fürchte, manches, was ich früher konnte, kann ich nicht mehr. Und das muss ich akzeptieren — Altwerden ist nichts für Feiglinge, so viel steht fest! Aber 71 ist für mich nur eine Zahl. Ich mache mir um meine nachlassende Gesundheit oder was auch immer nicht wirklich Sorgen. Ich habe ein bisschen Arthritis im Körper und gerissene Muskeln im Rücken. Ein bisschen ganz normaler Alterskram eben, aber beklagen kann ich mich wirklich nicht, denn ich habe mein Leben lang alles gegeben, was ich hatte. Es ist ein Wunder, dass ich so lange gelebt habe. Es ist eigentlich eine Frage der Einstellung. Wenn Leute mich fragen: „Was ist, wenn mit Ihren Händen etwas passiert? Was ist, wenn Sie einen Unfall haben und Ihre Hände nie wieder benutzen können?“, dann sage ich einfach: Na gut, dann finde ich einen Weg, mit den Füßen zu spielen. Ich werde einen Weg finden, irgendetwas zu tun, Lärm zu machen und Musik zu machen und dafür zu sorgen, dass die Leute eine schöne Zeit haben.

Am 27. Juli spielen Sie hier in Vilnius im Bibliothekshof — klein, unter freiem Himmel, nah. Wenn die Leute nah genug sind, um Ihrer rechten Hand tatsächlich zusehen zu können, hören die ganze Perkussion und die Flageoletts auf, Zaubertricks zu sein, und werden zu etwas, das man sehen kann. Verändert diese Nähe etwas für Sie — setzen Sie dann stärker auf die Show, oder spielen Sie einfach die Stücke und lassen die Leute zusehen?

Ich freue mich wirklich sehr, nach Vilnius zurückzukommen, weil ich so großartige Erinnerungen daran habe, 2011 mit meiner Band dort gewesen zu sein. Je näher ich dem Publikum kommen kann, desto besser ist es für mich. Ich will Ihnen praktisch auf die Pelle rücken. Ich will Ihre Augen sehen. Ich will sehen, was in Ihnen vorgeht, während ich spiele. Ich will über die Musik eine Beziehung zu Ihnen aufbauen, und ich will Ihnen den schönsten Abend schenken, den ich überhaupt schenken kann.

Ich freue mich riesig darauf, am 27. Juli wiederzukommen und Sie zu sehen — bis dann.

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Offizielle Website: tommyemmanuel.com

Fotografien: Luciano Viti und Simone Cecchetti, mit freundlicher Genehmigung des Künstlers. Das Interview wurde über das Christopher Summer Festival, Vilnius, vermittelt.

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