Es gibt ein Foto von Sebastian Plano, wie er auf einer leeren Landstraße steht, den Cellokoffer an die Brust gedrückt, den Kopf gesenkt, während der Asphalt hinter ihm im Dunst verschwindet. Es ist das richtige Bild für Solo. Nach mehr als zwanzig Jahren, in denen er dieses Instrument um die Welt getragen hat — Rosario, Duino, Lissabon, Boston, San Francisco, Berlin, nun Norditalien —, hat der argentinische Cellist und Komponist endlich eine Platte gemacht, die alles ablegt außer dem Cello selbst.

Plano, 1985 in Rosario geboren und in Berlin lebend, ist seinem Wesen nach kein Minimalist. Seine früheren Alben schichten Cello, Klavier, Elektronik und Perkussion zu etwas Orchestralem und Filmischem; eines davon, Verve, brachte ihm eine Grammy-Nominierung ein. Solo, das am 26. Juni 2026 erscheint, ist die gegenteilige Geste — sein erstes Album, vollständig für unbegleitetes Cello geschrieben und aufgenommen, über zwei Jahre hinweg zwischen seinen Studios in Berlin und der italienischen Landschaft. Wir haben ihm eine Reihe bedachter Fragen geschickt und ihn gebeten, in seiner eigenen Zeit und mit seinen eigenen Worten zu antworten. Es folgt dieses Gespräch.

„Man kann sich nirgends verstecken“

Sie haben das Aufnehmen für Solocello beschrieben als „sich selbst im Spiegel zu betrachten — man kann sich nirgends verstecken“. Nach Jahren des Schichtens von Instrumenten und elektronischen Texturen: Was hat Ihnen dieser Spiegel gezeigt, das die Schichten zuvor leise verdeckt hatten?

Der Spiegel hat mir viel gezeigt. Während der Arbeit an Solo tauchten unterwegs unerwartete Aspekte und Herausforderungen auf. Ich musste meine Art zu schreiben und aufzunehmen vollständig ändern; es war definitiv ein Schritt aus meiner Komfortzone heraus.

Es ist erstaunlich, wie sich der Geist in schöpferischen Prozessen im Kreis bewegen kann, und genau das habe ich bei Solo erlebt. Normalerweise schreibe, spiele und nehme ich meine Musik selbst auf, und so war es auch hier. Aber mit nur einem einzigen Instrument zu arbeiten machte den Prozess zugleich konzentrierter und schwieriger, als ich zunächst erwartet hatte. Meine Gedanken sprangen ständig von Aufgabe zu Aufgabe; ich verlor den Fokus und mitunter die Perspektive.

Ich glaube wirklich, dass die Suche nach der eigenen künstlerischen Stimme niemals ganz endet — sie wandelt sich nur mit der Zeit, und Solo ist Teil dieser Wandlung. Der Spiegel war ein Abbild dessen, woraus die Platte gemacht ist: Erinnerung, Versenkung, Ehrlichkeit und Verletzlichkeit.

Sie haben gesagt, Sie hätten sich jahrelang „mit einem Cello auf dem Rücken“ durch die Welt bewegt, doch erst mit Solo seien Sie schließlich „ganz allein mit ihm“ aufgebrochen. Worin liegt der Unterschied zwischen dem Tragen des Instruments und dem Alleinsein mit ihm — und warum hat es bis jetzt gedauert?

In über zwanzig Jahren ständiger Bewegung und des Lebens an verschiedenen Orten war das Cello meine beständige Begleitung — immer da, immer mitgetragen, doch lange Zeit eingebettet in eine größere musikalische Welt: Klangschichten, Produktion und viele miteinander interagierende Stimmen.

Mit Solo ändert sich das. Mit „allein mit ihm“ meine ich, alles auf eine einzige, unbegleitete Linie zurückzunehmen, ohne etwas, woran man sich halten könnte, außer dem Instrument selbst. Es wird zu einer ungeschützteren, unmittelbareren Beziehung zu Klang, Geste und Stille.

Ihre Liebe zur elektronischen Musik wurde früh von Vangelis entfacht, und Ihre früheren Platten sind voller elektronischer Texturen. Solo nimmt all das zurück auf das rohe, unbegleitete Instrument. War es ein Verlust, eine Erleichterung oder eine Mutprobe an sich selbst, die Maschinen zurückzulassen?

Es war eine rein schöpferische Entscheidung. Es war herausfordernd, aber ich bin es nicht als persönliche Mutprobe angegangen.

Ehrlich gesagt habe ich die Elektronik vermisst — doch eine Weile an einem so konzentrierten Projekt zu arbeiten verschafft Perspektive, und es verändert, wie man über frühere Arbeitsweisen denkt.

„Alles steckt im Blut“

Rosario, Duino, Lissabon, Boston, San Francisco, Berlin, nun Norditalien — ein Leben, das sich in Abschieden bemisst. Trägt Solo den Akzent eines dieser Orte, oder hat so viel Aufbrechen jedes einzelne „Zuhause“ aus dem Klang geschliffen? Ist jemand, der immer wieder fortgeht, überhaupt je wirklich „von“ irgendwo?

Eine interessante Frage, und um ganz ehrlich zu sein: An keinem der Orte, an denen ich gelebt habe, habe ich mich je als Fremder gefühlt. Ich stelle mir diese Frage von Zeit zu Zeit noch immer. Ich habe mich stets dem Ort zugehörig gefühlt, an dem ich war, selbst wenn ich die Sprache anfangs nicht sprach.

Ich bin ungeheuer neugierig auf verschiedene Kulturen, aber an Trennungen glaube ich eigentlich nicht — wir bewohnen alle dieselbe Welt, und sie ist sehr klein.

Wenn Solo einen Akzent trägt, dann einen argentinischen.

Ihre beiden Eltern spielten im Sinfonieorchester von Rosario, und Ihr Großvater war Tangokomponist und Bandoneonist. Bandoneon und Cello scheinen beide in einem ähnlichen Register zu atmen und zu schmerzen. Steckt der Tango irgendwo darin, wie Sie eine Phrase formen — selbst wenn die Musik ganz und gar nicht nach Tango klingt?

Ja, das tut er definitiv. Tangomusik und -kultur waren ein früher Einfluss für mich — nicht nur durch das Hören der Musik meines Großvaters, sondern auch durch das allmähliche Wandern vom traditionellen Tango hin zum moderneren Ansatz von Astor Piazzollas Musik, die mich in meinen Zwanzigern stark geprägt hat.

All diese Tango-Einflüsse sind in meiner Musik sehr gegenwärtig. Es mag nicht nach Tango klingen, aber es steckt alles darin, meinem Blut beigemischt. Stücke wie „Gone in Time“ oder „Returning Home“ auf Solo sind gute Beispiele dafür. Gehen wir weiter zurück, leben auch Stücke wie „All Given to Machinery“ oder „Living“ von der Platte Impetus in jener Welt.

Ich habe das Bandoneon meines Großvaters geerbt. Es liegt dort und schläft, und wartet darauf, geweckt zu werden …

Sie haben gesagt, „Every Beginning“ fühle sich an, als gehöre es allen Orten zugleich, und es halte den Augenblick der Ankunft fest. Nach so vielen Ankünften in einem Leben — wie fühlt sich Ankunft für Sie heute tatsächlich an: noch die alte Aufregung oder etwas Stilleres?

Es fühlt sich noch genauso aufregend an wie am Anfang. Es ist, als bewegte man sich durch verschiedene Kapitel des eigenen Lebens, und jedes formt einen auf neue Weise. Es geht nicht nur um den Ort selbst, sondern auch um die Kultur, die Menschen, die man trifft, das Essen und alles, was einen umgibt. All das trägt zum eigenen Wachstum als Künstler bei und schafft eine reiche und vielfältige Umgebung zum Erkunden.

Alles wird Teil der Musik — das Atmen, die Stille und alle Unvollkommenheiten darin. Ich wollte, dass der Klang nah ist, sodass die Hörenden das Gefühl haben, in dem Raum zu sein, in dem ich aufnehme.

„Geschichten von Bewegung und Wandlung“

Solo wurde über zwei Jahre zwischen Berlin und Norditalien geschrieben und aufgenommen. Das ist eine lange Zeit, um einer einzigen Platte Gesellschaft zu leisten. Hat die Musik ihre Gestalt verändert, als sich der Ort unter ihr veränderte — könnte eine in einem Berliner Winter geschriebene Phrase einen italienischen Sommer überstehen, oder hat der Umzug sie leise umgeschrieben?

Ja, ich habe das Album zwischen meinen beiden Studios in Berlin und Italien geschrieben und aufgenommen und bin mit Cello und Aufnahmegerät im Auto gereist. Ich erinnere mich, wie ich vor der Überquerung der Schweizer Alpen wartete, um mir meine Skizzen anzuhören.

Die Musik hat sich durch diese Bedingungen nicht wirklich verändert — ich habe sie bewusst gewählt, denn sie sind Teil dessen, was die Platte in ihrem Kern ist: Geschichten von Bewegung und Wandlung. Es hat den ganzen Prozess bereichert. Ich schrieb ausgiebig in Berlin und fuhr dann aufs Land nach Italien, wo ich es sehr inspirierend fand, Ideen zu entwickeln, aufzunehmen und den Prozess frei fließen zu lassen.

Sie haben ganze Alben, die durch Diebstahl verloren gingen, neu aufgebaut. Etwas ein zweites Mal zu erschaffen ist ein seltsames Schicksal — die zweite Fassung weiß Dinge, die die erste nicht wissen konnte. Was hat Sie der Verlust der Arbeit und ihr Neuerschaffen darüber gelehrt, was daran wirklich wesentlich war?

Der Verlust aller Kompositionen und Aufnahmen, die ich für meine Platte Verve hatte, war ein sehr starker emotionaler Rückschlag. Er war tatsächlich der letzte Funke, der mich dazu brachte, von San Francisco nach Berlin zu ziehen — Monate, nachdem es geschehen war.

Im Rückblick bin ich nun froh, dass dieses Ereignis eintrat. Es gab mir Kraft und Tatendrang; der Prozess des Wiederaufbaus war so intensiv und schön — ich arbeitete bis tief in die Nächte, wenn sich Erinnerungen an alte Ideen mit neuen Ideen und Perspektiven vermischten.

Wer weiß — vielleicht taucht die frühere Fassung eines Tages auf … Indessen: Ohne diesen Diebstahl hätte ich, glaube ich, keine Grammy-Nominierung für Verve bekommen.

Sie lassen das Bogengeräusch und den Atem stehen. Für einen Spieler, der durch Konservatorien kam, die genau solche Geräusche wegtrainieren — was hat Sie entscheiden lassen, dass diese kleinen Reibungen dazugehören: dass die Körnung der Sinn war und nicht der Makel?

Alles wird Teil der Musik — das Atmen, die Stille und alle Unvollkommenheiten darin. Ich wollte, dass der Klang nah ist, sodass die Hörenden das Gefühl haben, in dem Raum zu sein, in dem ich aufnehme.

„Sie gehört am Ende den Hörenden“

Wenn die letzte Note von Solo verklingt — wo, hoffen Sie, findet sich eine Hörerin, ein Hörer wieder?

Solo beginnt als meine Geschichte, aber ich hoffe, dass sie am Ende den Hörenden gehört. Bis zur letzten Note möchte ich, dass sie das Gefühl haben, durch etwas Persönliches, ganz Eigenes gegangen zu sein — eine Erinnerung, einen Wandel oder einfach einen Augenblick der Stille.

Sie haben Solo weitgehend allein gemacht. Ist es auch eine Platte, die allein gehört werden soll — und gibt es eine besondere Art der Einsamkeit in einem Hörer, die Sie am liebsten erreichen würden, so wie sie Sie erreicht hat, während Sie das Album machten?

Musik schenkt ein starkes Gefühl von Gesellschaft. Einsamkeit ist Teil meines schöpferischen Prozesses, aber sie ist auch ein Raum abseits der Musik, den ich zur Besinnung und für geistige Klarheit brauche. Für die Hörenden stelle ich mir keine bestimmte Situation vor, aber es gibt eine gewisse Art der Aufmerksamkeit, die die Musik sich vollständiger entfalten lässt.

Wenn man weiß, wer man ist und was man will, was einen erfüllt, muss sich Einsamkeit nicht leer anfühlen — sie kann sich verankert und vollständig anfühlen.

Und eine leichtere zum Schluss: Gibt es in einem Leben voller Abschiede einen kleinen Gegenstand — nicht das Cello —, der es irgendwie zu jedem einzelnen Umzug mit Ihnen geschafft hat?

Ja, meinen Mate.

Mate ist ein traditionelles südamerikanisches Getränk, besonders beliebt in Argentinien. Es ist zutiefst gesellig, und Mate zu trinken ist etwas anderes als Kaffee oder Tee; oft trinkt man ihn stundenlang und füllt immer wieder dasselbe Gefäß auf. Ich habe ein hölzernes, das mir auf dem Weg ein Begleiter gewesen ist.

Das Cello ist das Instrument, das Plano trägt; der Mate ist das kleine hölzerne Ding, das ein Zuhause mit sich trägt. Zwischen beiden findet Solo sein Register: eine einzige Linie, so nah gespielt, dass man den Atem hört, und die nur jene Art von Aufmerksamkeit verlangt, die eine private Geschichte für die Länge einer Platte zur eigenen werden lässt.

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Offizielle Website: sebastianplano.com

Foto: Paolo Barretta (@iamwinter).

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